¡Rodando! Revista de Cultura cinematográfica n1 2026 - Sección Estrenos
La momia de Lee Cronin (2026)
Director/a: Lee Cronin
Guionista: Lee Cronin
Productores/as: John Keville, James Wan, Jason Blum
Intérpretes: Jack Reynor, Laia Costa, May Calamawy, Natlie Grace, Verónica Falcón, May Elghety...
Duración: 133 minutos
País: USA
Género: Terror
Un grupo de adolescentes recibía unas serias instrucciones por parte de Lola, la taquillera. La sala estaba llena y no se podías sentar todos juntos y debían mantener silencio y molestar lo menos posible. La sala fue llenando, pero no se escuchó ni una mosca después de que comenzará la película, La momia de Lee Cronin. Me imagino que más que por respeto por lo que veían en pantalla. Digo esto porque no es fácil que nos escuche un comentario, una broma, etc. en una sala repleta de público joven.
Hay que achacárselo a lo que veían en pantalla, un horror tras otro, desde el principio hasta el final.
La película de Cronin se llama La Momia, pero podría llamarse con más tino "El exorcista" dada la proximidad temática sin dejar de ser original, pero en el cine de terror hay que elegir entre una de las dos vías, la de la continuidad o la de la originalidad. Un filme estrenado este año pasado "Weapons", por ejemplo, apostaba por la segunda vía, la de la novedad.
La momia es una eficaz película de terror, sigue los modelos clásicos, pero aplicando algo que no debe faltar en el género: poca luz y efectos especiales. Cronin elige una falso remake sobre la tradición (las películas múltiples desde la primera "momia"), para pasarse al género de las posesiones y exorcismos. No renuncia a los orígenes egipcios ni en lo físico ni en lo mítico, pero luego se decanta con eficacia hacia un drama familiar y el exorcismo, por la posesión diabólica. Luego se rompe el espacio original con una inmersión en Nuevo México, que es donde se produce la parte intensa del terror.
De esta forma, el director y guionista realiza una fusión de géneros y espacio, de Egipto actual al Oeste norteamericano, del relato mítico al drama familiar, un elemento bien trabado que le da densidad psicológica.
Excelente fotografía y una banda sonora de infarto, llena de ruidos y efectos sonoros como para poner los pelos de punta al más sereno, mezclado con cosas de The Band y otros sonidos ambientales de la época.
Si le gusta sufrir con palomitas, La momia de Lee Cronin es una buena elección. Los críticos y el público la han valorado bien, algo que no es fácil dentro del género.
JMA
El diablo viste de Prada 2
Director: David Frankel
Guionista: Aline Brosh McKenna, basado en la obra de Lauren
Weisberger
Productores/as: Michael
Bederman, Aline Brosh McKenna, Wendy Finerman, Elizabeth Niles y Karen
Rosenfelt
Intérpretes: Meryl
Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Justin Theroux, Simone
Ashley, Kenneth Brannagh, Lucy Liu...
Duración:
119 minutos
País: USA
Género: Comedia
/ drama
El
lanzamiento de El diablo viste de Prada 2
ha tenido carácter mundial y podemos rastrearlo más allá de la crítica
cinematográfica. No sé bien si es fruto de la mercadotecnia, el resultado de un
filme que logró convertirse en clásico o probablemente una mezcla de ambas.
La
película tiene muchas cosas a su favor: un reparto impecable, un guion muy
interesante —una combinación ajustada de comedia y crítica— y una realización
funcional. A diferencia de muchas secuelas actuales que buscan simplemente
vivir de las rentas pasadas, El diablo
viste de Prada 2 aguanta bien su nueva presentación.
Hay dos
aspectos que hacen destacar la película. El primero de ellos es el gran reparto
que nos pone en pantalla. Los actores repiten sus personajes, algo que no es
fácil hoy en día. Eso permite dar continuidad a los personajes de la primera
película y crear un tiempo real en esos veinte años que les separan. No nos
continúan simplemente una historia,
sino que esta se nos muestra como una distancia real, un camino recorrido que
ha marcado a los personajes. Esto quiere decir que cada uno de ellos acumula
experiencias que les han modificado su percepción de la vida.
La
Miranda que teníamos en 2006 no es la de hoy, está llena de matices que una
actriz como Meryl Streep sabe dosificar. Los demás actores han evolucionado y
su forma de actuar parte de esa experiencia que se nos va mostrando durante la
película.
Un
reparto que cuenta con Meryl Streep (que estuvo nominada al Oscar en 2006 por
este papel), Anne Hathaway, Emily Blunt, Stanley Tucci, Kenneth Brannagh, Lucy
Liu, Justin Theroux, por citar solo los principales, tiene garantizada la atracción
del público.
Meryl
Streep vuelve a hacer una auténtica creación del personaje, como ya lo hizo
hace veinte años. Es una mezcla perfecta para crear un personaje sobre el que
gira la trama y a la que responden bien los actores y actrices que le dan las
réplicas. Streep sabe darle la dimensión dramática al personaje en medio de esa
distancia que le crea, esa soledad disfrazada de autosuficiencia en un mundo
terriblemente competitivo, cruel, sin piedad.
El otro
aspecto, sin duda, es el guion, en el que repite la francesa Aline Brosh
McKenna, que también estuvo nominada a los BAFTA por el guion adaptado de 2006.
Hay una voluntad clara de contar con la máxima conexión con la película
inicial. Están los actores y aquello que les dio vida, el guion con el que
funcionó la historia y ellos en sus interpretaciones.
El
guion se sigue centrando en el mundo de la moda, pero ya no es el mundo que
vimos hace veinte años. La historia se adentra en los cambios en el mundo de la
comunicación, en cómo se han trastocado los valores en todos los niveles. Si la
moda necesita comunicarse, el mundo en
el que tendrá que hacerlo supone unas nuevas formas y valores, un gran cambio
en los modelos de empresas y el valor que estas conceden a las personas.
Seguimos
viendo un mundo competitivo, pero el engaño, las malas artes se ven por
doquier. Es en este mundo en el que los personajes deberán ponerse a prueba y
ver hasta dónde quieren llegar y qué dejarse en el camino.
El
director David Frankel —ganador de un Oscar al Mejor Filme Corto en 1997—, también repite en la nueva película, maneja
con eficacia la narración y se centra en el juego que le ofrecen los actores y
el guion.
Contar
con el director, la guionista, los actores de una película de éxito veinte años
después nos muestra con claridad una voluntad, la de volver a reunir lo que
funcionó para que funcione de nuevo. Por ello la película no se copia a sí
misma, sino que explora este viaje en el tiempo, la hace una película de hoy,
con problemas de hoy y con una visión desde el presente.
Al
final de la película, los créditos recogen una larguísima lista de personas que
se "interpretan a sí mismos", es decir, personas reales, la mayoría
de ellas del mundo de la moda, además de Lady Gaga que canta durante un pase de
modelos. Todo esto no es casual, sino que muestra la disponibilidad de muchas
personas para aparecer en un proyecto que les gustó en su momento y en el que
ahora quieren participar.
El diablo viste de Prada 2 se ve con placer, viendo lo
nuevo en lo pasado, sintiendo que ese mundo ha cambiado como probablemente lo
haya hecho el espectador en su butaca. La respuesta de la crítica, por lo que
hemos podido apreciar, ha sido positiva valorando esfuerzo y voluntad.
En
estos tiempos de exprimir los remakes, El diablo viste de Prada 2 ha tratado de
mantenerse a la distancia justa del pasado. Creo que lo ha logrado.
JMA
El día de la revelación
(Steven Spielberg 2026)
Director:
Steven Spielberg
Intérpretes: Emily Blunt (Margaret Fairchild), Josh O'Connor (Dr.
Daniel Kellner), Colin Firth (Noah Scanlon), Eve Hewson (Jane Blankenship),
Colman Domingo (Hugo Wakefield), Wyatt Russell (Jackson)...
Música: John Williams
Fotografía: Janusz Kaminski
Duración: 145 minutos
País: USA
Género: ¿Ciencia-Ficción?
Nos cuentan en la prensa que siendo niño el padre de Steven Spielberg le sacó de la cama en plena noche junto a sus hermanos. "Había ovnis", les dijo a él y a sus hermanos, pero "habían llegado tarde" y ya se había ido. Puede que se fueran del cielo de aquella noche, pero de donde no se fueron fue de su mente. A los ovnis les ha dedicado el director una parte repetitiva de su obra cinematográfica.
La anécdota de su
infancia la podemos interpretar de muchas formas, según nuestros gustos: como
intento de recuperar aquello a lo que no llegó para tristeza de su padre, como
un episodio más de los norteamericanos sobre las formas de ocultación de la
vida más allá de los Estados Unidos. Los ovnis son una exclusiva
cinematográfica norteamericana, pues nunca aterrizan más allá de sus fronteras
o entablan contacto con los que no son norteamericanos; una excepción relativa
es la magnífica La llegada (Denis
Villeneuve 2016). Es una especie de agravio turístico extraterrestre que no
reivindicamos buscando una solución repartida justamente.
Pero las visitas de
extraterrestres a los Estados Unidos tienen un rasgo específico que conecta con
el recelo inicial contra los gobiernos: estos le ocultan muchas cosas a los
ciudadanos. Esa era la base de la exitosa serie televisiva Expediente X.
Dudamos ya si se trata de una cuestión política o de Ciencia-Ficción dada la complementariedad de ambos temas. El mismo título de la película, El día de la revelación (2026) tiene ya una serie de connotaciones claras a través de la oposición "revelación / ocultación". El día, sí, ha llegado: "Escuchad".
Esta conversión del
tema en "clásico" por parte del cine norteamericano en general y de
Steven Spielberg en particular, ya sea por vía nacional o de infancia
frustrada, tiene sus ventajas e inconvenientes. ¿Ventajas? Conecta con un
momento especialmente conspiranoico de la sociedad norteamericana. El propio
Trump ha jugado con la distracción de "lo suyo" desclasificando los
casos sobre posible vida extraterrestre. ¿Desventajas? Exige una originalidad
en un camino temático demasiado estrecho, lleno de puntos necesarios para
avanzar con cierta "lógica"; igualmente, la originalidad se ve
restringida y no te puedes alejar lo que muchos "creyentes" den por
bueno.
¿Y la película? La crítica ha sido positiva y ha ponderado el trabajo conectándolo con otras partes de la obra de Spielberg. Para una película de estas características, la originalidad es esencial y hay que señalar que hay un buen guion, entendido esto como una historia que nos tiene sujetos al asiento, que descubre las cosas cuando ya se ha creado la incertidumbre y el desasosiego. Es una historia convergente entre dos líneas que representan los personajes encarnados por Emily Blunt (Margaret Fairchild, una presentadora televisiva del tiempo) y un informático a la fuga encarnado por Josh O'Connor (el Dr. Daniel Kellner). Vamos saltando de uno a otro hasta que lo inexplicable se va enmarañando para llegar a la explicación final.
Hacer convincente
desde el punto de vista narrativo este tipo de historias no es sencillo. El
trabajo de los actores, junto a un malo interpretado por Colin Firth (Noah Scanlon),
ayuda mucho. Están creíbles dentro de unos papeles de por sí requeridos de la
buena voluntad de los espectadores. Buen trabajo de la actriz Eve Hewson, como Jane
Blankenship, la novia de Kellner.
Mucha conspiración, mucha
ocultación y, como se nos dice, poca confianza en la propia humanidad y su
capacidad de enfrentarse a estas revelaciones. Unos toques de conspiración
otros de tecnología extraterrestre, alusiones a lugares sospechosos de aterrizajes
y la historia queda zanjada.
Steven Spielberg da
buen ritmo a una historia a la que quizá le sobran unos cuantos minutos, pero la
necesidad de explicar las cosas lleva su tiempo. Nos muestra muchas de sus
características estilísticas, como su gusto por las iluminaciones a contraluz.
Buena la fotografía de Janusz Kaminiski y no podía faltar la música de John
Williams.
Ayer el cine estaba
casi lleno de gente de muchas edades y cuando llegaron los créditos finales se escucharon
aplausos.
Toy Story 5 (2026)
Directores: McKenna Harris y Andrew Stanton
Guionistas: McKenna Harris y Andrew Stanton
Fotografía: Matt Aspbury y Jean-Claude Kalache
Música: Randy Newman, Taylor Swift
Producción: Pixar, Disney
Duración: 1 hora 41 minutos
Si le
gusta el cine de animación, debe ver Toy
Story 5: si no le gusta el cine de animación debe ver Toy Story 5.
No es
un juego de palabras, sino la constatación de que Pixar ha conseguido dar un
paso más en la animación. Toy Story forma parte de la historia del cine de
animación y del cine a secas. Supuso un punto de partida para la nueva
animación digital cuando saltó a las pantallas en 1995. Han pasado treinta años
desde entonces en un mundo en el que los avances en tecnología de la imagen, la
potencia de procesamiento y las nuevas posibilidades permiten apreciar los
cambios de filme en filme.
En un
mundo de imitación de lo propio, donde es difícil innovar en lo tecnológico y
en lo argumental, se lanza un nuevo Toy
Story que consigue hacerlo en los dos ámbitos, en el de su universo creado
y en la tecnología, además de en lo puramente cinematográfico. Toy Story 5 es una película apreciable
en todos los órdenes: en el argumental lanza una historia coherente, actual y
acorde con su propio desarrollo de los personajes; desde el punto de vista
tecnológico es innovadora, buscando desarrollar nuevos caminos visuales; y,
finalmente, desde el punto de vista cinematográfico es una buena película, en
lo que supone encuadres, planos, iluminación, montaje, movimientos de cámara.
Todo ello nos hace olvidarnos de que estamos ante una animación y nos recrea
ese mundo doble de juguetes y personas, con sus conflictos específicos.
Pues de
eso se trata de ofrecernos un fantasioso mundo creíble. Y se hace mediante la
creación de un conflicto real: lo que supone el abandono de los juguetes
(estamos ante una historia de juguetes) en beneficio de las pantallas, de los
dispositivos electrónicos.
Ese es el tema central con el que la película nos lleva a contemplar la historia. En las películas anteriores, el drama de los juguetes era el crecimiento de sus dueños; los niños y niñas crecen y dejan de interesarse por sus juguetes. Ese era el drama, el inevitable crecimiento y al abandono de los juguetes.
Hoy el
problema es muy distinto: se trata del abandono de los juguetes y de la
imaginación que permitían por el abuso de las pantallas. Es ahí donde se centra
acertadamente el núcleo de las pantallas. Se nos muestra casas en las que padre
e hijos pasan horas ante las pantallas, absortos, sin usa su imaginación,
dejándose llevar, desarrollando unas complicadas amistades que se canalizan a
través de las redes. Se nos muestra el abandono de los juguetes porque los
posibles amigos se ríen de ti si todavía juegas con los viejos juguetes. Son
algo "viejo".
Pero
esos juguetes son los que activan la imaginación de los niños que los
transforman en aquello que quieren imaginar. La película dirige su drama hacia
la soledad del que queda fuera de esas redes, su vergüenza por vivir fuera del
tiempo digital. La película es crítica en este sentido.
Hay también un desplazamiento suave hacia cuestiones de género, con un predominio de los personajes femeninos, tanto juguetes como personas. Es el signo de los tiempos y se nos muestra con naturalidad. No se renuncia a los viejos protagonistas, pero el énfasis está en ellas.
En el aspecto técnico, la película es impecable en su creación de un mundo en el que la imagen alcanza un elevado grado de realismo, casi natural. La fotografía es espléndida y no se acobarda ante contraluces, atardeceres, sombras en las habitaciones, escondites bajo las camas... No es fácil recrear un mundo tan realista en un mundo de juguetes y humanos. Por eso se establece el mundo fantástico en el que las niñas imaginan cuando juegan con ellos. Ese es el verdadero reino de la imaginación. Muy lograda esa diferencia de tratamiento visual entre lo "real" y lo "imaginado" durante el juego.
El tercer
aspecto es también sobresaliente, el del trabajo de dirección que nos muestra
ese mundo doble. Es lo que podríamos llamar el estilo cinematográfico. Las cámaras recorren ese mundo haciéndolo
real, complementando a la perfección del tratamiento visual que la técnica
consigue recrear.
De esta
forma, Toy Story 5 es una experiencia
que, adulto o niño, se puede disfrutar y emociona por el grado de sincronía de
los tres aspectos.
Es una
satisfacción ver cómo no se ha tratado de una secuela más, sino que se percibe
el interés por avanzar, por seguir haciendo historia.
Joaquín Mª Aguirre
Spider-man:
Brand New Day (2026)
Joaquín Mª Aguirre
No es fácil conseguir en la IMDB una puntuación de "8'2" en una película el fin de semana que te estrenas. Es una puntuación muy alta y más en este tipo de filmes con una línea ya creada, como es la serie de Spider-man, con Tom Holland al frente.
Spider-man se ha consolidado con sus intérpretes después del experimento con los reinicios, algo tampoco frecuente en este tipo de series. Eligieron un camino para la serie Spider-man y parece que han acertado. Tanto el público como las valoraciones han sido positivos.
¿Cuál es el secreto del éxito del Spider-man de Holland? Quizá el secreto no sea otro que la sencillez de héroe frente a la grandiosidad de otros personajes; quizá los superhéroes deberían ser menos "súper" y más "humanos". El Peter Parker del filme se nos ha vuelto hamletiano y debe elegir entre ese "gran poder que conlleva una gran responsabilidad" o una vida sencilla ignorando los peligros del mundo.
Holland consigue que nos creamos su debate moral y personal y que estemos cerca de su lado más humano, el del amor y la amistad, el de un mundo que mira con cierta envidia por no poder disfrutar de lo que supondría una cierta satisfacción "humana".
La película se construye sobre varias líneas de conflicto donde la que acaba teniendo menos importancia la de los súper villanos, que sabemos que no se pueden salir con la suya. Pero nos acaban interesando más las otras tramas, las humanas: la de la amistad y la del amor, que son las cosas importantes de la vida.
La soledad de Spider-man acaba haciendo que nos pongamos de su lado. El momento más emotivo del filme es cuando un Peter Parker mezclado en la multitud, de incógnito, descubre que sí es querido, que lo que hace sirve para algo, que importa a alguien.
En el fondo, Spider-man: Brand New Day trata sobre ese problema que nuestras sociedades modernas obvian de forma suicida: que cada vez le importamos menos a los demás y eso trae una soledad específica, terrible y en expansión.
Que no reconozcan a Spider-man, a Peter Parker, no es más que una metáfora de la falta de reconocimiento, de esa soledad. Por eso, la secuencia mencionada actúa como catarsis para Peter / Spider y para el propio espectador que necesita manifestarle reconocimiento.
Las apariciones intercaladas de la fallecida Tía May, interpretada por una estupenda Marisa Tomei, permite verbalizar es amor, explicar que, pese a todo, unas flores sobre la tumba significan algo.
La película se mueve en ese equilibrio entre el filme de acción de súper héroes y villanos y el drama interno de Peter, desposeído de amor y amistad, arrinconado en un mundo violento.
Las secuencias de batallas —en especial el enfrentamiento de Spider-man con el grupo de los ninjas rojos— y las luchas en el aire, entre telarañas, están muy conseguidas y sirven para contrastar con la línea sentimental o psicológica del personaje, en muy buen equilibrio. Esto permite crear un filme equilibrado donde el guion de Chris McKenna y Erik Sommers y la dirección del premiado Destin Daniel Cretton han comprendido bien lo que pueden y deben ofrecer al espectador, que sale contento del cine, tras dos horas y media de película. Esperemos que en Marvel sepan valorar lo conseguido.
Tenemos a un Tom Holland que funciona bien en acción y en drama de soledad, bien secundado por Zendaya y demás actores del reparto, con un Mark Ruffalo que retoma a Bruce Banner / Hulk, un buen Jon Bernthal, el ya habitual en su papel Jacob Batalon, y la incorporación, desde la serie Stranger Things, de una intensa Sadie Sink, una muy buena adquisición para la saga. Buen reparto.
Spider-man ha sido quizás la serie de este tipo que mejor ha entendido a su personaje y el éxito de las últimas entregas así lo confirma.
Spider-man:
Brand New Day (2026)
Director: Destin
Daniel Cretton
Guionistas:
Chris McKenna y Erik Sommers
Intérpretes: Tom Holland, Zendaya, Marisa Tomei, Mark Ruffalo, Jon Bernthal, Jacob Batalon, Sadie Sink, Florence Pugh...
Música: Michael Giacchino
Fotografía: Brett Pawlak
Duración: 145 minutos
El ser querido (Rodrigo Sorogoyen 2026)
Joaquín Mª Aguirre
Al
salir del cine algunos comentaban que no se les había hecho larga; otros decían
que la película les había dejado mucho en lo que pensar. Creo que son dos
comentarios que hacen justicia a la propia película. El primero es más
subjetivo, pues depende de la propia percepción de cada uno ante una película
de dos horas y cuarto, pero el segundo va más allá y quizá algo más
generalizado a la salida: el interés del tema y sobre todo su proyección hacia
el espectador.
Tres
cosas destacan en El ser querido. En
primer lugar el guion de Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, un dúo premiado
constantemente por sus buenos trabajos de escritura, lo que lleva en Cine a una
buena construcción de los personajes y a unas acciones consecuentes con su
definición que logren enganchar al público.
En
segundo lugar, tenemos unos actores capaces de entender sus papeles y ofrecérnoslos
con naturalidad. Un guion puede ser destrozado por unos actores incapaces de
comprender sus papeles y representarlos adecuadamente. El ser querido es una película de actores. Javier Bardem y Victoria
Luengo dan un recital interpretativo. En su capacidad de encarnar lo escrito,
en darle vida, se cifra el éxito del filme.
El ser
querido es una película con varios niveles. Comienza con una larga conversación
entre los dos personajes principales en la que, como ocurre en el resto del
filme, es tan importante lo que se dice como lo que se calla, dando así una
profundidad a los personajes y todo un abanico interpretativo a los actores.
Quizá podríamos resumir el filme como una historia sobre los efectos de lo que
no se dice, sobre sus consecuencias en la vida y sobre la forma en que
convivimos con ello.
Frente
a otros filmes que explican todo, El ser querido deja esa tarea al
espectador (como recogía a su salida el sabio comentario del público), que
trata de leer entrelíneas, convocado a fijarse en el detalle, en las miradas,
en los pequeños gestos, por encima de las palabras.
La
película nos muestra dentro su propia película que se acaba convirtiendo en un
reflejo de lo que los personajes no se dicen y que lo acaba sacando. La
historia de un director de éxito, Esteban Martínez (Javier Bardem) que, tras
ganar un par de premios Oscar, consagrado, regresa a España a hacer una
película sobre el Sahara para la que ofrece un papel a su hija, Emilia Vera
(Victoria Luengo), de un anterior matrimonio, permite aflorar lo que se ha
perdido en el camino, los daños emocionales causados. El rodaje supone un
acercamiento conflictivo entre el padre y su hija, entre el director y su
actriz. La repetida escena del rodaje de la comida, por ejemplo, permite
apreciar estas confluencias y el crecimiento de la tensión entre ellos.
Un aspecto interesante en la
película es cómo actores reales y personajes mantienen sus nombres de pila con
la excepción de los protagonistas, lo que lleva a una forma de
"naturalidad" del trabajo actoral. Si el actor real se llama
"Raúl", su personaje se llamará así; si es "Marina", se
llamará Marina. Bardem y Luego, en cambio, no presentan este patrón. Ello nos
muestra que hay una fuerte coherencia en la construcción del filme, una forma
de entender la motivación actoral por parte de sus creadores. Es una película
dentro de una película y una vida real
dentro de los personajes de esa película
interior. Lo que los personajes no hablan o no quieren decir o se niegan a
reconocer, lo que es una barrera conflictiva entre ellos, acaba saliendo,
aflorando en el filme que realizan.
La
historia que se nos cuenta es humana y creíble. Cómo gestionamos errores, como
asumimos el daño que hemos hecho y que nos hacen, cómo nos mentimos a nosotros
mismos y a los demás; es decir, cómo actuamos ante los otros en la vida es su tema central. La idea de la "máscara" va más allá de la pantalla.
El
tercer nivel de la película es la propia dirección, todo aquello que engloba la
forma de presentarnos la historia en pantalla. Aquí la dirección de Sorogoyen
marca la propuesta rompiendo con las formas tradicionales en que se podría
haber representado este drama. Las largas secuencias, los primerísimos planos,
los cambios del blanco y negro al color, la ausencia de sonido, la inserción de
secuencias y planos del filme que realizan, etc. son decisiones que apoyan lo
desarrollado en el guion y buscado en las interpretaciones. Lo que se nos
muestra nos ayuda a entender lo que se nos quiere decir.
El
filme ha estado propuesto para la Palma de Oro en el Festival de Cannes. Me
imagino que será un filme en el que actores, guionistas y director tendrán más
ocasiones de recoger premios. Lo merecen porque salirse de los caminos
trillados, buscar nuevas vías para un drama aparentemente sencillo y construir
un texto fílmico que nos exige, que no da facilidades, debe tener su
recompensa. No es un filme para todos, ya que es un filme exigente para con el
espectador. La gran mayoría del público era mayor, lo que nos indica ya algunas
cosas. Es una película madura que
requiere madurez. En estos tiempos de secuelas y precuelas, se agradece un cine
distinto.
Como ya
hemos señalado, interpretaciones memorables de los protagonistas —lecciones
interpretativas de ambos, Bardem y Luengo— y un elenco que no desmerece ese
trabajo. Un meritorio esfuerzo del cine español por hacer algo valioso y
distinto.
La aventura que El ser querido nos ofrece es permitirnos navegar por unos mares turbulentos en los que tenemos que decidir hacia dónde nos dirigimos. Como decía la espectadora a la salida de la sala de proyección, "ahora hay que ponerse a pensar".
El ser
querido (Rodrigo Sorogoyen 2026)
Guionistas: Isabel Peña y Rodrigo Sorogoyen
Productores: Javier Bardem, Clara Lago...
Intérpretes: Javier Bardem, Victoria Luengo, Melina Matthews, Marina Foïs, Malena Villa...
Música: Olivier Arson
Fotografía: Alejandro de Pablo
Son muchos años de la saga "Resident Evil" con sus subidas y bajadas. En este caso nos encontramos con una subida, con una película con un gran manejo de cámara sobre una acción sencilla sobre un recorrido de entrega de un paquete.
Tras un breve prólogo que nos muestra la situación de Bryan, un repartidor sin demasiadas luces o futuro, le seguimos a lo largo del film en sus peripecias para entregar un paquete que deberá entregar en un apartado laboratorio. Y es en el camino donde empiezan a producirse los problemas. Es aquí donde se conecta con las constantes narrativas de la saga, como la Corporación Umbrella cuyos manejos conocen todos los seguidores de esta saga.
El director y guionista (junto a Shay Hatten), Zach Cregger le da la vuelta a la épica heroica a la que estábamos acostumbrados y nos presenta un anti héroe, un héroe a su pesar, sin pretenderlo. La película se parodia a sí misma. No es el heroísmo lo que guía a Bryan, sino el cobro de la entrega,
La película es un equilibrio entre comedia y épica de terror con un protagonista que no pretende más que sobrevivir para recibir el pago por la entrega del paquete. No vamos a descubar el final, que merece la pena reservar.
Hay un estupendo trabajo de dirección, del movimiento de la cámara en las secuencias de acción, que son casi todas. Bryan solo quiere dejar el paquete y volverse a su casa, pero todo son dificultades.
En la sala se combinan silencios y risas, señal de que funciona en sus dos niveles, el de la comedia y el del terror, un género mixto que no es fácil de sostener durante la hora y media del filme, Pero Cregger lo consigue.
Es su siguiente filme tras otro gran éxito de crítica y público, la original "Weapons" (2025). También allí se jugaba con el ritmo frenético y con la combinación de las normas del género fantástico y de terror.
Tras "Weapons", Cregger podía no haberse arriesgado con un nuevo capítulo de una saga que daba síntomas de fatiga. Sin embargo lo acepta y sale adelante con otra vuelta de tuerca.
La película coge fuerza también de la interpretación de Austin Abrams en el papel de Bryan. No es fácil sostener todo el filme esa interpretación del personaje. Los demás actores cumplen en su papel de episódicos, entrando en su trayecto hasta el hospital de entrega.
El humor está presente de principio a fin y le funciona bien a lo largo del filme. Resaltar de nuevo la buena dirección de cámara y la planificación.
Director: Zach Cregger
Guionistas: Zach Cregger y Shay Hatten
Intérpretes: Austin Abrams, Zach Cherry, Kali Reis, Paul
Walter Hauser, Will Merrick, Andrea Miltner, Andrea Miltner, Karel Dobrý, Karel
Dobrý, Zoé Bellas...
Música: Hays Holladay y Ryan Holladay
Fotografía: Dariusz Wolski
País: USA, Alemania
Duración: 95 minutos
En el
corazón de la bestia
(David Ayer 2026)
Joaquín
Mª Aguirre
Antes se recomendaba no actuar con niños ni con animales. La nueva entrega de Brad Pitt, En el corazón de la bestia (David Ayer 2026) incumple al menos en un 50% la advertencia.
La
historia de un ex soldado norteamericano que tiene un accidente aéreo en Alaska
junto a su perro tiene diversas lecturas más allá de la acción y el carácter
eminentemente paisajístico del filme.
La
película de David Ayer es una historia de supervivencia en el último refugio en
el que pueden estar el ex soldado, tocado por la guerra, y su perro, otro
superviviente maltrecho de la misma guerra. Odín es un perro que ha servido a
"su" país, al menos al que le han indicado. La posibilidad, por
supuesto, de un perro "patriótico" es una ficción dentro de la
ficción.
Comprendemos
entonces que esa belleza estaba en el ojo del que mira. Puede que el espectador
la disfrute, pero no desde luego, el ex soldado y su perro, más pendientes de
sobrevivir.
El
filme no es bello en su interior;
solo nos muestra la belleza que rodea a los dos protagonistas —nos los definen
como "dos soldados"— y a alguno que otro perdido por la inmensidad de
Alaska, como el personaje de J.K. Simmons, que va con su piragua por aquellos
parajes.
La
belleza del paisaje compensa la sencillez de la historia: dos seres, un humano
y un perro, intentando sobrevivir. Las consecuencias filosóficas deberán se
extraídas por el espectador cuando se encienden las luces. Puede reflexionar sobre
la violencia natural y la guerras humanas; puede hacerlo sobre la amistad entre humanos
y perros, sobre el espíritu de supervivencia o sobre el entrenamiento del Ejército
norteamericano. Puede elegir entre estas y otra opciones.
La
dirección de Ayer es eficaz y tiene la belleza de la Naturaleza a su favor,
con buena fotografía. Brad Pitt está creíble en su amor hacia su perro salvado
de la destrucción de la guerra, aunque tocado.
Finalmente, Odín, el perro, resulta ser un mix poco natural de cuatro perros, algo sobre lo que también se puede reflexionar. Es la estrella de la película, como ya nos advertían.
Título
original: Heart of the Beast
Año:
2026
Director:
David Ayer
Guionista:
Cameron Alexander
Intérpretes:
Brad Pitt, J.K. Simmons, Anna Lambe, Justin Melnick, Shaun DeZern
Producción:
USA
Duración:
1h 41min
Digger
(Alejandro G. Iñárritu 2026)
Joaquín Mª Aguirre
Esperaba
con ganas esta película por lo atractivo de su tráiler, repetido desde hace
varios meses en cada estreno de otros filmes. Allí se encontraban cosas
esperanzadoras sobre lo que podía ser Digger, el film de Alejandro G. Iñárritu
que se ha estrenado este fin de semana en España.
Lo que
prometía, lo cumple. Digger es una
meritoria película, destacable en su dirección y montaje, en su guion y en las
interpretaciones. Un filme inclasificable, lleno de sorpresas hasta el último
segundo.
Si el cine es el arte que de lo que se ve, Digger es un ejemplo de que no debemos creer lo que vemos... durante mucho tiempo, al menos. Con grandes etiquetas, podríamos decir que se trata de una farsa política, una especie de texto brechtiano en el que la técnica de "distanciamiento", teorizada por el dramaturgo alemán, se mantiene desde el primer momento eligiendo un tono exagerado.
El
director mejicano Alejandro G. Iñárritu consigue una perfecta cohesión entre la
forma distanciante y el sistema de muñecas rusas en el que se organiza la
narración. El espectador es llevado del orden al caos a través del orden de los
planos y su captación del espacio al inicio y su progresivo desorden.
Iñárritu
rompe con la narración lineal clásica y crea un laberinto de situaciones, de
órdenes espaciales y narrativos. No es fácil construir un texto que usa las
convenciones para destruir la forma narrativa, pero el director lo logra
mediante el sembrado de un interés dirigido.
En esta captación son esenciales los trabajos de los actores, unos caóticos y exagerados, otros deliberadamente rígidos en sus papeles. El filme posee esa cualidad señalada de integrar diversos niveles, que se diferencian no solo por los espacios (estupenda la transformación de los espacios ante el espectador) sino por las propias formas de actuar.
El
filme es indudablemente una farsa con fines satíricos. En él existen al menos
cuatro niveles, uno de los cuales, el final, nos ha implicado a nosotros mismos,
que nos vemos enfrentados a ese dilema, como se han visto enfrentados a los
suyos sus propios espectadores.
Las actuaciones de Tom Cruise y de un renovado físicamente John Goodman son realmente valiosas. Hacen volumen de unos personajes deliberadamente planos, pero que tienen la posibilidad de dar volumen. Cruise da vida a un personaje que no se parece a ningún otro que haya interpretado desde su Risky Business (1983), su primer papel de éxito. Cruise no es solo un actor de acción, por mucho que corra, salte y se arroje de aviones. Es también productor del filme, lo que nos muestra el compromiso y cómo valora el filme y a su crítico personaje, el protagonista, un retrato moderno del poderoso y sus manipulaciones.
A su
lado destaca el histrionismo de John Goodman, que hace una auténtica creación
de su parte del personaje del presidente de los Estados Unidos. Igualmente, el
otro protagonista principal, Riz Ahmed, un actor premiado anteriormente y que
supone un equilibrio frente a las creaciones de Cruise y Goodman.
Pero es
necesario resaltar el manejo del conjunto por parte del director, cómo los encaja
en la unidad superior del plano para que formen parte de la historia en cada
momento. Por mucho que sean estrellas, los actores están al servicio del filme,
como piezas sobre un tablero movidas con un interés superior. Otra manera del
distanciamiento usado por Iñárritu para el funcionamiento general.
Digger, como filme creativo, no será paladar para todos los gustos. La sátira requiere del espectador un tipo de lectura diferente. Las informaciones sobre su funcionamiento en las salas son irregulares y no basta con el nombre de Tom Cruise, pese a ser una de las mejores interpretaciones de su carrera. Mucho del cine que se produce hoy no cuenta con la inteligencia del espectador, sino con la rutina de la repetición. Digger es una obra arriesgada a la que se hará justicia si no hoy, con el tiempo.
Digger
(2026)
Director:
Alejandro G. Iñárritu
Guionistas:
Alejandro G. Iñárritu, Alexander Dinelaris y Nicolás Giacobone
Intérpretes:
Tom Cruise, Riz Ahmed, John Goodman
Música:
Cosmo Sheldrake
Fotografía:
Emmanuel Lubezki
Producción:
USA
Duración: 129 minutos
Whalefall (2026)
Joaquín Mª Aguirre
Entre Jonás y Edipo podríamos considerar este filme, dirigido en 2026 por Brian Duffield. Hasta el momento hemos visto películas en entornos cerrados, de una cabina telefónica a un ataúd, pero creo que es Whalefall se lleva la palma en cuanto a ambiente claustrofóbico. Creo que no les descubro nada si les digo que la mayor parte del filme transcurre en el estómago de una ballena que se traga a un buceador. Nada que ver con Moby Dick o cualquier otro relato ballenero en la historia. Sencillamente se lo tragan.
La historia de un joven cuyo padre buceador se suicida tirándose al mar (el principio de la película) y que trata de encontrar pasado un tiempo el cadáver (lo que quede de él), como una especie de acto reconciliatorio postmórtem, que es tragado por una ballena, más bien un cachalote. Como el vientre de la ballena resulta no ser tan mortal como a primera vista parece, el joven dispone de tiempo para recordar las disputas paternas y ve que los consejos que le daban tienen cierto sentido en el estado y lugar en que se encuentra.
Probablemente les parezca un tanto descabellado, sobre todo porque las referencias nos llevan directamente a Jonás, el único precedente que conozco y que lógicamente le da un tono simbólico a la historia. El intercalado de recuerdos familiares no logra hacernos olvidar dónde estamos encerrados junto al protagonista. Todos sus problemas edípicos, las relaciones problemáticas con el padre, acaban, por extraño que parezca, llevándose el relato hacia lo simbólico, que no lo fantástico. Nos preocupa más cómo arregla lo suyo con su progenitor que cómo puede salir (por cualquier conducto) de la ballena tragona, que no contenta con un gigantesco calamar, se traga a ambos.
Lógicamente, el espectador tiene más conocimiento y experiencia de los problemas freudianos en la familia que de cómo es el proceso digestivo de los cetáceos. Algo que el guión y la realización tienen en cuenta en el desarrollo de la historia.
Estupendo Josh Brolin en su papel de padre malhumorado y tatuado. Nos creemos su conflicto familiar, su ego pesquero súper desarrollado. Tenemos más problemas en entender las angustias del hijo deglutido (Austin Abrams). No podemos empatizar demasiado porque no es fácil ponerse en el lugar de alguien tragado por la ballena. Por esto mismo, el que la luz del interior (sin luz no hay cine) provenga de medusas luminosas (¿no habría sido más creíble una linterna?), no es muy creíble, pero ya puestos. Quizá el hecho de que las tripas del cetáceo sean parecidas a un supermercado en donde el único cliente (el tragado) encuentra todo lo necesario para salir de allí, sea jugar demasiado con la credulidad, pero, una vez que se ha iniciado lo simbólico, ¿qué más da?
¿Cine fantástico, ecológico, naturaleza-ficción, un psicodrama pesquero?
Hay unos curiosos mensajes de corte ecologista, de unidad con la Naturaleza, que salen de la mente del joven, que acaba hablando no solo con su difunto padre y con él mismo, sino también con la propia ballena.
La realización tiene el mismo padre que el guion, firmado por Brian Duffield (productor de Oso vicioso 2023) junto a Daniel Kraus, un premiado guionista, y autor de la novela en que se basa la película. Gran parte del efecto se debe a una dirección de la historia bajo el agua y en el espacio estomacal. Pero todo esto depende de nuestra mirada, de nuestra capacidad de meternos en la historia que se nos cuenta.
Hemos dado más detalles de lo acostumbrado por lo insólito de la historia y el hecho de que no esté hecho para todos los estómagos (me resisto a hacer un chiste fácil). En cualquier caso, una curiosidad, que debe mucho a la capacidad de los actores.
Director:
Brian Duffield
Guionistas:
Brian Duffield y Daniel Kraus
Intérpretes: Austin Abrams, Elisabeth Shue, Josh Brolin...
Música: Joseph Trapanese
Fotografía: Aaron Morton
Nacionalidad: USA
Año: 2026
Duración: 1 h 46 m
Sentido y sensibilidad
(Georgia Oakley 2026)
Ha sido una muy agradable sorpresa el nuevo "Sentido y sensibilidad", la obra novelística que sigue hablando a las generaciones. Jane Austen sigue creciendo con el tiempo y son sus públicos los que la elevan.
Hablo
de sorpresa por la novedad del equipo que se ha enfrentado a un proyecto
capitaneado por mujeres esencialmente, la mayoría de ellas jóvenes, casi
debutantes, en un proyecto que adquiere, como augura su título, sentido y sobre
todo sensibilidad, alejado de cualquier uso estereotipado como ha ocurrido en
muchas ocasiones con Austen.
En la
dirección tenemos a Georgia Oakley, en su segundo filme tras Blue Jean (2022),
por el que fue nominada a los premios BAFTA como mejor debut en la dirección.
Su dirección es ajustada, es decir, no
busca efectismos, sino que aprovecha a las grandes actrices, también jóvenes,
para meterse de lleno en el proyecto, equilibrado entre el retrato social y el
psicológico. Oakley apuesta por una dirección acorde a la luz natural, que en
este caso es casi una declaración estética, una reivindicación del momento captado
por la cámara.
Una luz
natural nos lleva al tiempo de la acción. Estamos literalmente en un mundo
oscuro, a la luz de las velas con lo que eso supone. Es un mudo que convierte
los espacios en lugares de sombras en el que se mueven los personajes, tanto en
la intimidad como en las escenas de los bailes. No se falsea el entorno con una
iluminación de otro tiempo. En este sentido, pocas veces asistimos a un uso
menos efectista de la luz y, en cambio, más realista. Y el cine es el arte del
movimiento y de la luz.
Georgia
Oakley ha convertido así Sentido y
sensibilidad en algo más que una historia y unos personajes, conocidos por
muchos espectadores por versiones anteriores o por la lectura de Austen; ha
logrado crear un conjunto ajustado. Tanto en interiores (las velas o la luz que
entra por ventanas y puertas), como en la naturalidad de los exteriores grises,
sin efectismos luminosos.
El
guion lo firma Diana Reid, con trabajo anterior esencialmente en televisión, y
también premiada en su trayectoria profesional. El guion permite un orden
comprensivo claro de una obra que trabaja precisamente sobre la confusión y el
malentendido en que se mueven los protagonistas. Reid combina bien las diferentes
relaciones entre personajes y logra sacar a la luz su dimensión individual y a
la vez mantener algo importante, su dimensión como grupo, es decir, su
identidad familiar mostrando con claridad las múltiples relaciones que definían
a una familia en la época, de la empatía a las envidias y dominaciones
sociales.
Merece capítulo especial las interpretaciones de Esmé Creed-Miles (Marianne Dashwood) —actriz, escritora, directora, músico— y Daisy Edgar-Jones (Elinor Dashwood) —consumada actriz teatral—, que interpretan a las hermanas mayores. Son también actrices jóvenes dentro de esa maquinaria de formación de actores que es el cine británico. Ambas están creativas y creíbles en esa naturalidad que se resalta en todos los niveles del filme.
Se mueven con sus explosiones afectivas sin excederse, lo suficiente como para rematar sus papeles en los justos términos. Están naturales conversando en una cama o gritando en la lluvia.
Igualmente hay magníficas actuaciones en los demás personajes del filme, como ocurre con la madre, Caitríona Balfe, en el papel de la madre, a la que conocemos por la exitosa serie Outlander. También destacable a la joven Bodhi Rae Breathnach (Margaret Dashwood), la hermana pequeña, que borda sus actuaciones y a la que conocimos en la muy interesante y oscarizada Hamnet (Chloe Zhao 2025).
Es, en suma, un plantel de buenos actores en su conjunto y con una medida interpretación femenina, frente a las masculinas que se mueven entre motivaciones reales o fingidas. Magníficos los actores ya sea por su contención (son el otro lado) o por su fingimiento. George McKay estupendo en su papel de Edward Ferrars.
Merece la pena mencionar la estupenda música de Robert Goula que nos introduce en los personajes y en sus emociones. Nos acompaña a lo largo de la película con enorme finura.
Creo
que ha merecido la pena el esfuerzo. Sentido
y sensibilidad es una película para degustarla en su propia medida. Es un
trabajo hecho mayoritariamente por mujeres que han querido dar a Austen un
sentido propio, más allá de tópicos.
Sentido y sensibilidad 2026
Directora: Georgia Oakley
Guionistas: Diana Reid
Intérpretes: Esmé
Creed-Miles (Marianne Dashwood), Bodhi Rae Breathnach (Margaret Dashwood),
James Carcaterra (Norland Steward), Daisy Edgar-Jones (Elinor Dashwood),
Caitríona Balfe (Mrs. Dashwood), Charlie Varlet (Nelly), Tom Brooke (John
Dashwood), Stacy Martin (Fanny Dashwood), Paulie Bovingdon (Harry), George
MacKay (Edward Ferrars), Herbert Nordrum (Colonel Brandon), Fiona Shaw (Mrs.
Jennings)...
Fotografía: Arnaud Potier
Música: Roger Goula
Producción: Reino Unido
Duración: 132 minutos
La
película de Aritz Moreno es y será atípica en la filmografía española. Es
distinta por muchos motivos y circunstancias. Es una feliz sorpresa para los
espectadores por su tema interpretación y tratamiento, todo ello realizado con
esmero. En un país que vive del Fútbol como fondo, el hecho de que exista una
deportista única en una disciplina minoritaria, por no decir desconocida, para
el público español, como son las Katas, ya nos dice mucho sobre el ánimo que
hay detrás.
Como
película nos habla de un personaje real, con una historia real y unos logros
reales. El filme nos transmite valores y
críticas apoyados en los hechos y en los valores cinematográficos, entre los
que incluimos la sobresaliente interpretación de Andrea Ros, la protagonista de
un filme. Su personaje conlleva dedicación y entrega absoluta al papel. Se
podían haber trucado muchas escenas. Sin embargo, la entrega de Sandra Ros se
concreta en la Kata olímpica final, realizada en una sola toma, sin cortes. Es
algo más que esfuerzo; es entrega a un papel y una historia.
Como
película deportiva, va más allá del género y está llena de pequeños detalles.
La historia de Sandra Sánchez, la deportista española, con su rival japonesa le
da el tono necesario para ir más allá de lo físico. Nos adentra en la soledad interna
del deportista que encuentra, como se nos dice, en la persona a quien debe
vencer la única que le comprende, un drama solidario condenado al enfrentamiento.
Su maestro japonés les da una clave. Como señala frente a la presión de un
deporte nacional en Japón, lo importante no es Japón, sino el kárate. Ellas son
lo importante y la disciplina que las modela; lo demás es espectáculo.
En
España se han hecho películas deportivas, pero creo que Karateca va por otra línea y espíritu. No hay patriotismo
verbenero, por decirlo así, es más, Sandra Sánchez tendrá que enfrentarse a los
tópicos y estereotipos, a los intereses propios del mundo deportivo. El guion
no se excede sino que se ajusta a una narrativa creciente que nos muestra la
fuerza de voluntad, el deseo de desarrollo hacia una perfección.
Creíble
también Patrick Criado, también en meritorio esfuerzo. Los intérpretes
japoneses le dan a la película un contrapunto en la forma de actuar y mostrar
diferentes psicologías en cuanto a algo más que un deporte. El mal ingles con
el que se entienden unos y otros es un detalle realista que nos muestra ese
deseo de proximidad frente a la rivalidad. Es la soledad de unos fines
interiores frente a lo que es el grupo.
Es una película
arriesgada por muchos motivos, por eso su éxito como proyecto va más allá de la
taquilla, importante factor, pero no el único. La película emociona y
entretiene; enhorabuena por ello. Hay que valorar esta tipo de esfuerzos.
Un
detalle: al mirar los datos en la IMDB, los actores están colocados por orden
alfabético, algo que no se hace habitualmente. Es la forma de encontrar los datos,
de la protagonista, por ejemplo, no al inicio, sino en la "R", casi
al final. Alguien debería corregir esto, pues los que aparecen por la "A" no son
realmente, como se dice, las "estrellas". Es justo reconocer el papel
y puesto de cada uno en la película. Lo demás es confundir y, sobre todo, menospreciar el trabajo.
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| Los actores y las personas reales |
Director: Aritz Moreno
Guionistas: David B. Gil, Javier Gullón y Pablo Tobías
Intérpretes: Sandra Ros, Patrick Criado, Ernesto Alterio,
Pablo Álvarez, Hoshimi Asai...
Música: Maite Arroitajauregi
Fotografía: Javier Aguirre
Producción: española
Duración: 110 minutos
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